Avec une œuvre qui se nourrit de tension, de retenue et de profondeur émotionnelle, Lucy Kruger & The Lost Boys se sont forgés la réputation d'une musique qui persiste longtemps après que vous l'ayez entendue. Alors qu'ils se rapprochent de plus en plus de la sortie de leur nouvel album Fleur pâleAvec le nouveau single envoûtant « Damp », le groupe continue d’explorer les espaces fragiles entre sentiment et expression, intimité et rupture.

Nous avons discuté avec la chef d'orchestre Lucy (Kruger) du processus d'écriture du dernier single, de la dynamique de collaboration au sein du groupe et de la façon dont les nouvelles chansons du prochain album évoluent à mesure qu'elles passent du studio à la scène.

Lorsque vous commencez une chanson sous une forme très minimaliste ou intimiste, qu’est-ce qui vous indique généralement jusqu’où elle doit être poussée ou développée avant de paraître complète ?
Je ne pense pas avoir trop peur du minimalisme – au contraire, j'ai probablement besoin d'être un peu poussé pour développer davantage les chansons. Quand j'entends le sentiment dans une chanson, je suis presque satisfait. Heureusement, j'ai un groupe pour m'aider à arriver à un point où l'histoire semble plus complète. J'ai commencé cet album avec des croquis, puis j'ai présenté les chansons aux différents membres du groupe qui les ont développées. Le groupe joue ensemble depuis longtemps et je voulais vraiment avoir leurs voix sur cet album – et nous l'avons fait. Les instruments que vous entendez sur scène sont les instruments que vous entendrez sur le disque. Il n'y a pas beaucoup de couches.

Il y a un fort sentiment de tension dans ce nouveau single – entre mouvement et retenue, proximité et distance. Dans quelle mesure êtes-vous conscient de ces contradictions émotionnelles lorsque vous écrivez ?
Je tiens à dire que je suis bien conscient de ces contradictions – ou plutôt de ces forces opposées – qui permettent au contrepoint de se révéler ou de paraître plus tangible ou acceptable. La force d’un élément rend plus supportable la fragilité d’un autre. Cependant, je ne sais pas dans quelle mesure cela se produit dans les premières étapes de l'écriture. Peut-être que cela revient plus souvent lors de l’arrangement ou de la production d’une chanson. Il s’agit principalement de trouver un contenant capable de cadrer les émotions de manière significative – et, espérons-le, nuancée.

Beaucoup de vos chansons semblent se situer dans l’espace entre ce qui est ressenti et ce qui est dit. Trouvez-vous que la musique vous permet d’exprimer des choses que vous auriez du mal à mettre en mots ?
Certainement. Je n’aime pas vraiment parler si cela n’a pas de sens, et je n’aime pas vraiment dire quoi que ce soit – en général. Mais je suis en désordre, donc ça ne marche pas toujours très bien pour moi. La musique laisse beaucoup de place au chaos et à la confusion – qu'elle soit tendre, effrayante ou juste un peu fatiguée. Dans la musique, il semble y avoir plus de place pour l’abstrait et l’inconnu – et souvent pour les plus vulnérables.

Comment la collaboration au sein du groupe influence-t-elle la direction émotionnelle d’une chanson lorsqu’elle quitte vos mains et devient une œuvre collaborative ?
La plupart du temps – ce qui, maintenant que j'y pense, me semble très chanceux – il s'agit moins de changer de direction que de mettre en évidence ce qui, à mon avis, est déjà là mais loin d'être articulé, même si cela ne semble être ainsi que rétrospectivement. Il est également possible qu'il y ait une sorte de profondeur ou de forme dans le groupe que je ne pensais pas exister, qui semble évidente ou inévitable une fois formé. En plus d'imaginer un son final, je pense que j'imagine la taille ou la forme d'un sentiment, et je suis heureux d'y arriver de la manière qui me convient. Damp est un bon exemple de Pale Bloom : il a commencé petit et fragile, puis a évolué dans une direction différente. Le chant est resté le même, mais tout le reste a augmenté. Pourtant, j’ai l’impression que cela ne sert qu’à rapprocher l’émotion de son intention initiale.

Quel genre de voyage émotionnel ou narratif pensez-vous que les auditeurs vivraient du début à la fin lors de la réalisation de l’album dans son ensemble ?
C'est vraiment une sorte de montagne russe – beaucoup de drames insulaires et de terreur existentielle. Tendresse, tension, détente, réflexion. J’espère peut-être que c’est à la fois troublant et rassurant. C'est souvent ce que je recherche dans la musique : quelque chose qui appuie sur quelque chose ou qui souligne quelque chose qui fait mal et qui donne ensuite un baume. Soyez vu et chanté.

Par rapport à vos enregistrements précédents, avez-vous cette fois-ci maîtrisé une approche différente du son, de la dynamique ou de l’arrangement – et si oui, quel a été le déclencheur de ces changements ?
Je pense que je voulais que cet album ait des aigus doux et sentimentaux – quelque chose de plus beau de façon traditionnelle – sur une base de quelque chose de plus brutal, ou du moins primal. L'album s'élève doucement contre l'idée restrictive de l'humain comme forme pure ou pure. Je voulais aborder la beauté des mythes – les histoires que nous nous racontons pour vivre éternellement ou symboliquement – ainsi que le chaos de la mortalité : des corps et des cœurs qui fuient et vacillent, qui aiment et s'en vont. À un niveau fondamental, les arrangements placent souvent des rythmes entraînants et répétitifs sous des cordes plus oniriques et anthémiques. La voix est calme mais toujours sentimentale, tandis que la guitare apporte une crudité plus difficile à articuler – quelque chose qui se cache juste sous la surface des chansons et de l'expérience humaine en général.

Comment ces nouvelles chansons changent-elles lorsqu’elles sont jouées en live et qu’est-ce qui vous passionne le plus dans le fait de porter ce matériel sur scène ?
Ils sont bien plus vivants dans la vraie vie – c’est l’une de mes choses préférées. Ressentir ce qui se passe avec une chanson sur scène. Je pense que cela a quelque chose à voir avec la fugacité. Il n’est pas logique que le moment doive durer éternellement. De cette façon, les enjeux deviennent à la fois plus élevés et plus faibles, et le moment est très intensifié. Je dois le dire comme je le pense maintenant. C'est aussi une conversation directe qui est complètement différente. Les chansons deviennent une sorte de véhicule de communication et offrent différentes possibilités selon leur forme. C'est passionnant de voir quelles sont les possibilités qui existent.

En prévision de la prochaine tournée, qu’espérez-vous que le public retiendra de ces performances au-delà de la musique elle-même ?
J'ai récemment assisté à un spectacle à Berlin et je me tenais derrière la foule en me demandant ce que tous ces corps faisaient là – ce qu'ils espéraient ressentir ou emporter. Je ne suis toujours pas sûr. J'ai ressenti beaucoup de choses cette nuit-là. L'artiste a créé un espace pour que je puisse ressentir, mais en retour, le public a créé un espace pour elle, lui permettant de partager quelque chose qui lui semblait très personnel – à la fois pour elle et pour nous. Je me sentais aussi étrangement retenu par les gens autour de moi. Tout cela semble assez ésotérique, et une partie de moi veut résister à trop essayer de le comprendre. En tant que personne qui se sent un peu coupée de la richesse culturelle, c'est, en un sens, mon lieu de rituel, d'échange, de rassemblement pour faire bouger les choses. C'est aussi juste un doux moment de distraction – une excuse pour sortir de la maison et entrer dans un environnement différent où votre esprit peut vagabonder librement.

Écoutez le nouveau single ci-dessous et gardez un œil sur le prochain album :

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