Sur son quatrième album studio Ramène-moi nulle partAS Fanning semble à la fois à l’aise, calme et déterminé. Inspiré par la science-fiction, les paysages sonores expérimentaux et un nouveau processus de collaboration en studio, l'album est envoûtant, agité et étrangement tendre.

Écrit à une époque de blessures physiques, de paralysie créative et de profonde désorientation psychologique, l'album capture un artiste aux prises avec des réalités personnelles, politiques et imaginaires fracturées tout en cherchant des moments de connexion dans le brouillard. L'album de 12 titres oscille entre électronique dystopique, rock indie entraînant et ballades alternatives réfléchies. Le résultat est un album d’une belle œuvre comparable à celle de The National et Nick Cave.

Avant sa sortie cette semaine (6 février), nous avons parlé à Fanning du blocage de l'écrivain, des poignets cassés, des décisions de production surnaturelles et de la façon dont Ramène-moi nulle part est devenu son œuvre la plus vaste et la plus collaborative à ce jour.

C'est votre quatrième album studio. En quoi votre approche de l’écriture de « Take Me Back To Nowhere » diffère-t-elle de vos disques précédents ?

J'ai eu un assez grave syndrome de blocage de l'écrivain en écrivant. D’une certaine manière, cela ne semblait pas être un blocage parce que j’écrivais pas mal. Mais j'avais complètement perdu confiance et j'avais l'impression de naviguer dans le brouillard. J’ai donc commencé à m’appuyer beaucoup plus sur le groupe. J'avais toutes ces idées et paroles fragmentées que j'ai présentées au groupe et j'attendais de voir quelle était leur réponse. C’était une très bonne façon de faire avancer une chanson à partir d’un point où j’étais coincé. C'est donc définitivement l'album le plus collaboratif que j'ai jamais réalisé.

L'album aborde des thèmes tels que la désorientation et les réalités fragmentées. Est-ce quelque chose que vous vouliez explorer dès le début ou est-ce venu naturellement au cours du processus d’écriture ?

C’est quelque chose qui est apparu au cours du processus d’écriture. Pendant que j'écrivais cet album, je me sentais assez déconnecté du monde extérieur, et quel que soit le blocage que j'avais, cela déclenchait une sorte de crise en moi. J'avais à l'époque un poignet cassé, ce qui ne m'a pas aidé et m'a conduit à un style de vie de « lunette arrière » assez paranoïaque, observant le monde à travers le prisme des réseaux sociaux et ayant tendance à voir le pire dans tout. Les médias sociaux ne sont pas parfaits pour cela dans le meilleur des cas, mais lorsque vous voyez un génocide en direct et qu'il apparaît simplement sur la chronologie aux côtés de vidéos de chiens et d'autres absurdités, c'est extrêmement déroutant. Je me suis échappé en lisant des romans de science-fiction, ce que j'ai apprécié mais qui a probablement aussi conduit à ce sentiment de surréalité, que le monde « réel » est plus une suggestion qu'un fait concret.

Comment est né « Stay Alive » et est-ce que c'était différent d'écrire ou de produire par rapport aux autres chansons de l'album ? Est-ce représentatif de l’ensemble du prochain album ?

Je soupçonne que cette chanson était un peu différente dans sa production des autres chansons. À un moment donné, nous l’avons complètement déconstruit. Mais beaucoup de chansons ont été composées de manière fragmentaire. Alors que l'album précédent était pour la plupart des enregistrements complets de nous en studio – nous étions tous les cinq installés et joués ensemble, et c'étaient les enregistrements et arrangements finaux qui se retrouvaient sur le disque, avec très peu d'overdubs – sur le nouvel album, nous avions parfois des modèles préenregistrés avec lesquels nous commencions, en utilisant des boîtes à rythmes et des synthétiseurs, etc. Ou nous enregistrions une chanson et la démontions ensuite pour jouer avec différentes combinaisons de sons.

Je ne sais pas pourquoi nous avons procédé de cette façon. Ce n’était pas quelque chose sur lequel on avait médité au préalable. Je pense que j'avais en tête que je voulais que l'album ait une atmosphère légèrement surnaturelle, alors peut-être que cela en faisait partie – je ne voulais pas qu'il s'appuie trop sur l'ambiance organique d'un groupe de musiciens dans une pièce. Mais « Stay Alive » était un exemple assez extrême. Nous avons vraiment tout décomposé dans cette chanson. Dans la première moitié de la chanson, nous avons remplacé la batterie par des échantillons, Bernardo et moi (le guitariste) sommes allés réamplifier de nombreux sons avec différents effets, et nous avons reçu l'aide supplémentaire de l'artiste sonore Marta Zapparoli (qui a contribué à un certain nombre de chansons de l'album). Elle produit de nombreux sons surnaturels, y compris un projet dans lequel elle a passé du temps dans le cercle polaire arctique et a enregistré le son des aurores boréales. Il y a donc certains éléments de la production qui ont été apportés après le premier enregistrement.

Après vous être cassé le poignet, vous avez dû adapter vos méthodes habituelles d’écriture de chansons. Comment ce défi a-t-il façonné le son, la structure ou le style lyrique de l’album tout entier ?

Je pense que les structures des chansons sont donc assez différentes. Il y a quelques chansons sur l'album qui ont une structure de chanson de style couplet-refrain-couplet classique, ce qui est probablement ce que j'ai tendance à faire lorsque j'écris une chanson à la guitare acoustique. Au lieu de cela, j'ai écrit avec un ordinateur portable avec des rythmes programmés et un petit clavier MIDI sur lequel je pouvais jouer avec ma bonne main. Ce qui m’a aussi amené vers des sons plus synthétisés comme point de départ. Mais les structures sont un peu plus libres. Pour des chansons comme « Today is for Forgetting », j’ai simplement écrit les paroles, puis copié et collé une boucle de batterie pour l’adapter à la longueur des paroles que j’avais écrites. Lorsque nous travaillions dessus avec le groupe, nous avons fini par ajouter un court changement d'accord au milieu, mais je venais de l'écrire avec un motif à deux accords qui se répétait pendant cinq minutes, ou peu importe.

Sur le plan sonore, le nouveau single représente pour moi une forte comparaison avec The National (un de mes favoris) : y a-t-il des artistes qui, selon vous, ont été une véritable inspiration pour votre son ?

Je ne pense pas avoir vraiment de son. Je pense que cela change un peu d'un album à l'autre ou parfois d'une chanson à l'autre. Pendant que je faisais cet album, j'écoutais beaucoup de trucs très synthétisés comme « The Expanding Universe » de Laurie Spiegel, auquel je me souviens avoir fait référence en studio. Je ne pense pas que la musique basée sur les chansons ait une grande influence sur moi ces jours-ci. J'apprécie toujours les bonnes compositions, mais ce sont souvent d'autres éléments qui m'inspirent, comme des sons intéressants que je n'ai jamais entendus auparavant. Ou souvent juste une ambiance. Je me souviens de notre rencontre à Idea Farm de Robbie Moore en Suède (où l'album a été enregistré) et de notre écoute de “Pick It Up” de John Maus. Il était tard dans la nuit et j'étais dans le studio en train de déconner et Robbie était dans une autre partie du complexe, je pense que j'écoutais des mix sur un autre système de son ou quelque chose du genre, et j'ai entendu ce son envoûtant qui remplissait cette grande pièce vide de la grange, il y avait quelque chose de magique là-dedans. Il est difficile de mettre le doigt dessus, mais il y a là un mystère qui me fascine. Les films de David Lynch ont parfois un effet similaire. Je me souviens avoir regardé « Eraserhead » pendant que j'écrivais cet album. L'ambiance générale de ce film et de la bande originale, le sentiment de malaise sous-jacent, c'est quelque chose auquel j'ai réfléchi pendant des jours.

Le titre de l’album « Take Me Back To Nowhere » suggère l’envie d’évasion ou de retour au vide. Comment vous est venu ce titre et que reflète-t-il sur le disque dans son ensemble ?

Je pense qu'il s'agit de vouloir s'évader. À propos de se sentir dépassé et confus et de simplement chercher une issue. Je pense que c'est une phrase qui m'est venue à l'esprit pour une chanson et j'ai commencé à écrire cette chanson de cowboy qui a fini par devenir une sorte de refrain récurrent sur l'album, donc l'utiliser comme titre de l'album a en quelque sorte fonctionné. Dans mon esprit, cet album était une sorte d’album de science-fiction, j’imaginais cet immense vide spatial. En Allemagne, il existe un personnage de dessin animé nommé Bernd le pain, une miche de pain chroniquement déprimée qui, d'une manière ou d'une autre, est projetée dans l'espace. C'est comme un économiseur d'écran de fin de soirée et lorsque nous étions en tournée, nous le mettions souvent à l'hôtel après un spectacle. J'ai l'impression qu'il était en quelque sorte une mascotte pour cet album, et je fais référence à lui dans la dernière chanson, « Talking to Ourselves ».

En considérant l’album comme une œuvre, qu’espérez-vous que les auditeurs retiendront après l’avoir écouté ?

J'espère que cela ressemble à une expérience immersive. Que cela pourrait créer une sensation de transport en s'immergeant dans un certain monde pendant 45 minutes ou quoi que ce soit. J'aime l'idée que les gens puissent avoir l'impression de vivre un voyage déroutant et étrange, qu'il n'y a aucune raison de lui donner un sens, mais peut-être qu'il y a un sentiment qui reste derrière eux. Mais c'est un sentiment libérateur pour moi de penser qu'une fois qu'un album est sorti, le sens que les gens lui donnent est hors de mon contrôle. À ce stade, je peux simplement lâcher prise et croire que les gens sont prêts à gérer la situation à leur manière. Je peux m'inquiéter sans cesse à ce sujet, mais à un moment donné, je dois lâcher prise et accepter que les gens puissent vouloir dire exactement le contraire de ce que je voulais dire et qu'ils n'ont pas nécessairement tort.

Écoutez le dernier single ci-dessous et assurez-vous de diffuser l'album complet lors de sa sortie vendredi :

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